Musée d'Orsay: Tickets, Öffnungszeiten und Geschichte
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Musée d'Orsay
Meine Bewertung:
+ Das Musée d'Orsay liegt in einem ungewöhnlichen Gebäude und hat eine wunderschöne Sammlung. Darunter Werke wichtiger Impressionisten und des Pointillismus, sowie Werke des Post-Impressionismus - darunter Monet, Manet, van Gogh, Seurat, Gauguin etc.
- Es gibt wegen der Raumaufteilung keine Hauptlaufrichtung - man muss etwas hin und her gehen und fragt sich manchmal: war ich da schon ;) ?
Tipp: Online Ticket kaufen. Denn in der Hochsaison gibt es auch hier lange Warteschlangen.
Letztes Update: 27 Sep 2019 | Celine Mülich
Alles Wichtige auf einen Blick
Öffnungszeiten:
Dienstag, Mittwoch, Freitag bis Sonntag, 09.30 - 18.00 Uhr
Donnerstag, 09.30 - 21.45 Uhr
(Die Säle schließen ab 17.15 Uhr, bzw. 21.15 Uhr)
Montag Ruhetag
Feiertage: 1. Mai, 25 Dezember geschlossen
Nationalfeiertag: 14. Juli: Eintritt kostenlos
Preise:
14 Euro für Erwachsene
11 Euro für "Begleitetes Kind" (Für Erwachsene, die das Museum mit einem Kind der Europäischen Union unter 18 Jahren besuchen. Maximal 2 Erwachsene pro Kind) Das Ticket ist Online nicht buchbar.
kostenloser Eintritt für Kinder unter 18 Jahren gegen Vorlage des Ausweises, jeden ersten Sonntag im Monat, Menschen mit Behinderung und einer Begleitung, Inhaber der Paris Museums Pass
Icom-Karte:
Freier Eintritt
Kombitickets:
Musée d'Orsay + Musée de l'Orangerie = 18 Euro (19,44 Euro Online Buchung über Tiqets!)
Musée d'Orsay + Musée Rodin = 21 Euro
Audioguide:
5 Euro für Sammlung und Ausstellungen
Führungen:
hauptsächlich auf Französisch und Englisch. Hier die deutsche Erklärung.
6 Euro + Eintritt, 1,5 Stunden, mit Voranmeldung.
Englische Führung über Tiqets buchen: Kleine oder große Gruppe möglich, 2 Stunden, Preise inklusive Eintritt
Anfahrt:
Rue de la Légion d'Honneur
Rec C (Gelb): Musée d'Orsay
Metro M12 (Dunkelgrün): Solférino
Haltestelle etwas weiter weg: M8 (lila) + M13 (hellblau): Invalides
Dienstag, Mittwoch, Freitag bis Sonntag, 09.30 - 18.00 Uhr
Donnerstag, 09.30 - 21.45 Uhr
(Die Säle schließen ab 17.15 Uhr, bzw. 21.15 Uhr)
Montag Ruhetag
Feiertage: 1. Mai, 25 Dezember geschlossen
Nationalfeiertag: 14. Juli: Eintritt kostenlos
Preise:
14 Euro für Erwachsene
11 Euro für "Begleitetes Kind" (Für Erwachsene, die das Museum mit einem Kind der Europäischen Union unter 18 Jahren besuchen. Maximal 2 Erwachsene pro Kind) Das Ticket ist Online nicht buchbar.
kostenloser Eintritt für Kinder unter 18 Jahren gegen Vorlage des Ausweises, jeden ersten Sonntag im Monat, Menschen mit Behinderung und einer Begleitung, Inhaber der Paris Museums Pass
Icom-Karte:
Freier Eintritt
Kombitickets:
Musée d'Orsay + Musée de l'Orangerie = 18 Euro (19,44 Euro Online Buchung über Tiqets!)
Musée d'Orsay + Musée Rodin = 21 Euro
Audioguide:
5 Euro für Sammlung und Ausstellungen
Führungen:
hauptsächlich auf Französisch und Englisch. Hier die deutsche Erklärung.
6 Euro + Eintritt, 1,5 Stunden, mit Voranmeldung.
Englische Führung über Tiqets buchen: Kleine oder große Gruppe möglich, 2 Stunden, Preise inklusive Eintritt
Anfahrt:
Rue de la Légion d'Honneur
Rec C (Gelb): Musée d'Orsay
Metro M12 (Dunkelgrün): Solférino
Haltestelle etwas weiter weg: M8 (lila) + M13 (hellblau): Invalides
Was gibt es hier zu sehen?
Das Musee d'Orsay zeigt Skulpturen, Malerei und Zeichnungen aus der Impressionisten, Expressionisten und dem Pointillismus. In Zahlen: Kunst aus den Jahren 1848 bis 1914. Auf 16.000 Quadratmetern werden 4000 Werke präsentiert.
Der Besuch ist für alle geeignet die ein Faible für Monet, Manet, Renoir, Seurat und Degas haben. Die die zarte und wunderbar romantischen Werke lieben und dabei noch die Architektur eines alten Bahnhofgebäude aus dem 19. Jahrhundert betrachten wollen. Im Zentrum, der Bahnhofshalle findet ihr hauptsächlich Skulpturen, in den anschließenden Nebenräumen die ersten Werke des Realismus wir Gustave Courbet oder Jean-Auguste-Dominique Ingres, gefolgt von Édouard Manet.
Im ersten Stock findet ihr dann schließlich die Impressionisten um Claude Monet, Edgar Degas und den Pointillismus mit Georges-Pierre Seurat und den Begründer der modernen Malerei Vincent van Gogh.
Eine Reihe von großen Namen und Werken die bei jedem ein Aha-Erlebnis verursachen werden. Garantiert!
Aktuelle Ausstellungen:
Degas in der Oper bis 19. Januar 2020
Zukünftige Ausstellungen:
Im Land der Ungeheuer. Léopold Chauveau (1870-1940) 10. März 2020 - 29. Juni 2020
James Tissot (1836-1902) 24. März 2020 - 19. Juli 2020
Léon Spilliaert (1881-1946). Licht und Einsamkeit 15. Juni 2020 - 13. September 2020
Aubrey Beardsley (1872-1898) 15. Juni 2020 - 13. September 2020
Der Besuch ist für alle geeignet die ein Faible für Monet, Manet, Renoir, Seurat und Degas haben. Die die zarte und wunderbar romantischen Werke lieben und dabei noch die Architektur eines alten Bahnhofgebäude aus dem 19. Jahrhundert betrachten wollen. Im Zentrum, der Bahnhofshalle findet ihr hauptsächlich Skulpturen, in den anschließenden Nebenräumen die ersten Werke des Realismus wir Gustave Courbet oder Jean-Auguste-Dominique Ingres, gefolgt von Édouard Manet.
Im ersten Stock findet ihr dann schließlich die Impressionisten um Claude Monet, Edgar Degas und den Pointillismus mit Georges-Pierre Seurat und den Begründer der modernen Malerei Vincent van Gogh.
Eine Reihe von großen Namen und Werken die bei jedem ein Aha-Erlebnis verursachen werden. Garantiert!
Aktuelle Ausstellungen:
Degas in der Oper bis 19. Januar 2020
Zukünftige Ausstellungen:
Im Land der Ungeheuer. Léopold Chauveau (1870-1940) 10. März 2020 - 29. Juni 2020
James Tissot (1836-1902) 24. März 2020 - 19. Juli 2020
Léon Spilliaert (1881-1946). Licht und Einsamkeit 15. Juni 2020 - 13. September 2020
Aubrey Beardsley (1872-1898) 15. Juni 2020 - 13. September 2020
Die Geschichte des Musée d'Orsay
Vom Bahnhof zum Museum
Im Zuge der Weltausstellung von 1900 wurde ein neuer Bahnhof geschaffen. Dieser befand sich am anderen Ufer der Seine, auf Höhe des Louvre Museums. Die "Gare d'Orsay" wurde von dem Architekten Victor Laloux errichtet und war einer der Bahnhöfe die auf dem neuste Stand der Technik erbaut wurde. In den Räumlichkeiten darüber wurde ein Hotel eröffnet und Vereine und andere Vereinigungen konnten den Bankettsaal auch für Veranstaltungen nutzen.
Der Bahnhof wurde aber nur bis 1939 für den Fernverkehr in den Süden genutzt - das hier fuhren die modernen elektrischen Züge ein und aus - keine Dampfzüge - und deswegen konnte das Dach des Bahnhofs auch geschlossen werden.
In den Folgejahren hatte der Bahnhof immer wieder andere Funktionen.
1945 wurden hier Kriegsgefangene und die Überlebenden der Konzentrationslager aufgefangen.
1958 kehrte Charles de Gaulle in die Politik zurück und machte das hier bekannt!
Der Bahnhof diente aber auch schon als Filmkulisse (Orson Welles und Bernardo Bertolucci).
In den Folgejahren hatte der Bahnhof immer wieder andere Funktionen.
1945 wurden hier Kriegsgefangene und die Überlebenden der Konzentrationslager aufgefangen.
1958 kehrte Charles de Gaulle in die Politik zurück und machte das hier bekannt!
Der Bahnhof diente aber auch schon als Filmkulisse (Orson Welles und Bernardo Bertolucci).
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Doch was sollte langfristig mit dem stillgelegten Bahnhof geschehen? verschiedene Ideen kamen zum Vorschein: Bürogebäude für die "Caisse des dépôts" oder ein Verwaltungszentrum für "Air France". man wollte den Abriss des Gebäudes verhindern. Auch der Umbau zu einem großen Hotel wurde in Betracht gezogen und fast bewilligt - doch der geplante Abriss wurden zum Glück doch noch verhindert! Das war 1971.
1973 wurden das alte Hotel und der Bahnhof dann komplett geschlossen und in ein Denkmalverzeichnis aufgenommen. Seit 1978 ist es Denkmalgeschützt. Die Idee ein Museum daraus zu machen wurden nun immer konkreter. 1978 wurde bereits ein erster Architekturwettbewerb ausgeschrieben. Ein zweiter im Jahre 1980. Die Italienerin Gae Aulenti darf nun mit dem Innenausbau beginnen. Sie entwirft unter anderem die beiden Türme, die den Abschluss der Hauptallee bilden. Gae Aulenti ist zum Beispiel auch für den Innenausbau des MNAC in Barcelona verantwortlich, das ebenfalls im Zuge einer Weltausstellung entstanden ist... |
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Die alten Bausubstanz der alten Industriearchitektur wurde bei den Umbauarbeiten gewahrt, aber den neuen Techniken angepasst - die Rosetten des Gewölbes werden zum Beispiel originalgetreu restauriert und mit Vorrichtungen ausgestattet, die den Schall absorbieren und Belüftungsdüsen der Klimaanlage verstecken!
Die alten Bausubstanz der alten Industriearchitektur wurde bei den Umbauarbeiten gewahrt, aber den neuen Techniken angepasst - die Rosetten des Gewölbes werden zum Beispiel originalgetreu restauriert und mit Vorrichtungen ausgestattet, die den Schall absorbieren und Belüftungsdüsen der Klimaanlage verstecken!
Am 1. Dezember 1986 wird das Musée d’Orsay offiziell von Präsident François Mitterrand eingeweiht.
Jährlich besuchen mehrere Millionen Besucher das Museum in dem prachtvolle Bauwerk und genießen eine der fruchtbarsten Perioden der Kunstgeschichte.
Die alten Bausubstanz der alten Industriearchitektur wurde bei den Umbauarbeiten gewahrt, aber den neuen Techniken angepasst - die Rosetten des Gewölbes werden zum Beispiel originalgetreu restauriert und mit Vorrichtungen ausgestattet, die den Schall absorbieren und Belüftungsdüsen der Klimaanlage verstecken!
Am 1. Dezember 1986 wird das Musée d’Orsay offiziell von Präsident François Mitterrand eingeweiht.
Jährlich besuchen mehrere Millionen Besucher das Museum in dem prachtvolle Bauwerk und genießen eine der fruchtbarsten Perioden der Kunstgeschichte.
Claude Monet
Der bekannteste Künstler des Impressionismus: Claude Monet (1840 - 1926)
Während sein Frühwerk noch als sehr realistische Kunst betrachtet wird, hat er sich schnell dem neuen Stil zu der Mitte des 19. Jahrhunderts aufkam. Der Name "Impressionismus" wird vom lateinischen 'impressio' / französischem 'impressionnisme' abgeleitet. Das 1872 entstandene Werk Monets "Impression, soleil levant" (Impression, Sonnenaufgang) gab der Bewegung dann offiziell den Namen! Zu sehen im Musée Marmottan Monet, Paris.
Er begann aber bereits vor diesem Werk mit der impressionistischen Malerei. Diese wendet sich von der realen Darstellung von Personen, Landschaften und Objekten ab.
Jetzt ist die Maltechnik im Vordergrund: die Wirklichkeit verliert durch die Pinselführung ihre Körperlichkeit. Kurze Pinselstriche - Kommatechnik genannt - werden nebeneinander gesetzt und die Farbe setzt die Akzente.
"Der Fluss/Am Ufer der Seine bei Bennecourt" von 1868 gilt als eines seiner frühesten impressionistischen Werke. Seine bekanntesten sind die späten Seerosenteich-Bilder aus seinem Garten in Giverny.
Während sein Frühwerk noch als sehr realistische Kunst betrachtet wird, hat er sich schnell dem neuen Stil zu der Mitte des 19. Jahrhunderts aufkam. Der Name "Impressionismus" wird vom lateinischen 'impressio' / französischem 'impressionnisme' abgeleitet. Das 1872 entstandene Werk Monets "Impression, soleil levant" (Impression, Sonnenaufgang) gab der Bewegung dann offiziell den Namen! Zu sehen im Musée Marmottan Monet, Paris.
Er begann aber bereits vor diesem Werk mit der impressionistischen Malerei. Diese wendet sich von der realen Darstellung von Personen, Landschaften und Objekten ab.
Jetzt ist die Maltechnik im Vordergrund: die Wirklichkeit verliert durch die Pinselführung ihre Körperlichkeit. Kurze Pinselstriche - Kommatechnik genannt - werden nebeneinander gesetzt und die Farbe setzt die Akzente.
"Der Fluss/Am Ufer der Seine bei Bennecourt" von 1868 gilt als eines seiner frühesten impressionistischen Werke. Seine bekanntesten sind die späten Seerosenteich-Bilder aus seinem Garten in Giverny.
Frau mit Sonnenschirm...
Claude Monet, Studie einer Figur im Freien: Frau mit Sonnenschirm nach rechts gedreht, 1886, Öl auf Leinwand,
130,50 x 89,30 cm, Musée d'Orsay, Paris
&
Claude Monet, Studie einer Figur im Freien: Frau mit Sonnenschirm nach links gedreht, 1886, Öl auf Leinwand,
131,00 x 88,70 cm, Musée d'Orsay, Paris
Es handelt sich hier bei eigentlich um zwei Gemälde: gleiche Person, gleicher Tag, gleicher Moment - nur 2 verschiedene Perspektiven.
Bei einer Bootstour 1886 um seine Insel "Ile aux Orties", die neben seinem Garten eine der Hauptmotive seiner späten Schaffensphase ist, hat Monet diese Impression eingefangen.
Diese Insel war für seine Geliebte Alice Hoschedé und ihren Kindern ein Zufluchtsort. Und bei einer Bootstour sah er ihre Tochter Suzanne Hoschedé auf einer Düne. Der Sonnenschirm gegen den Wind gestemmt, der Schal wehend. Dieses Bild von ihr wollte er festhalten und das tat er in zweifacher Weise. Einmal nach rechts gewandt und einmal nach links.
Der Farbauftrag ist die bereits genannte Komma-Malweise, die so typisch ist für die Impressionisten. Die Farben sind zurückhaltend, im oberen Bereich reduziert, aber die Wiese weißt eine große Anzahl an Farbe erhöht!
Bei einer Bootstour 1886 um seine Insel "Ile aux Orties", die neben seinem Garten eine der Hauptmotive seiner späten Schaffensphase ist, hat Monet diese Impression eingefangen.
Diese Insel war für seine Geliebte Alice Hoschedé und ihren Kindern ein Zufluchtsort. Und bei einer Bootstour sah er ihre Tochter Suzanne Hoschedé auf einer Düne. Der Sonnenschirm gegen den Wind gestemmt, der Schal wehend. Dieses Bild von ihr wollte er festhalten und das tat er in zweifacher Weise. Einmal nach rechts gewandt und einmal nach links.
Der Farbauftrag ist die bereits genannte Komma-Malweise, die so typisch ist für die Impressionisten. Die Farben sind zurückhaltend, im oberen Bereich reduziert, aber die Wiese weißt eine große Anzahl an Farbe erhöht!
Das Parlament von London
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Das Gemälde "Das Parlament von London. Die Sonne bricht durch den Nebel" ist Teil einer Serie von insgesamt 19 Werken, die er zwischen 1900 und 1904 entstanden. Das Hotel Savoy ist das Hotel, dass er immer besucht und von hier aus den Blick auf die Themse hat.
Sie haben alle fast die gleiche Größe, die gleiche Perspektive, aber manchmal andere Ausschnitte. Mal sieht man mehr, mal weniger vom Parlament. Aber immer ist es ein Zusammenspiel von Sonne und Nebel, mal mit Fischerbooten oder ohne. |
Claude Monet, London, Parlament, die Sonne durchbricht den Nebel, 1904, Öl auf Leinwand, 81,50 x 92,50 cm, Musée d'Orsay, Paris
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Der Seerosenteich, grüne Harmonie
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Dieses Bild zeigt den Garten Monets in Giverny. Es zeigt einen Teil des Seerosenteichs, die japanische Brücke, die er hier errichten lies und einige Bäume im Hintergrund. Der Himmel ist nicht zu erkennen, er ist nur an Hand von Reflexen im Wasser zu erahnen. Das Bild ist Teil einer Serie die eigentlich unter dem Namen "Japanische Brücke" bekannt ist und die er zwischen 1899 und 1900 malte.
Monet beschäftigte sich in seinen letzten 30 Jahre mit der Anlage dieses Gartens: er kaufte exotische Pflanzen, legte verschiedene Themenbereiche an - darunter den Seerosenteich, der von einem eigens dafür angestellten Gärtner gepflegt wurde. Dieser Garten war schließlich DAS Motiv vieler seiner Werkserien. "Weg in den Garten des Künstlers", "Die Japanische Brücke" und auch der "Seerosenteich" - die extrem großen Gemälde (Bsp: 2x 6 Meter), die in der Orangerie in Paris ausgestellt werden. Hierfür kann man auch ein Kombinations-Ticket kaufen. |
Claude Monet,
Der Seerosenteich, grüne Harmonie, 1899, Öl auf Leinwand, 89,50 x 92,50 cm, Musée d'Orsay, Paris
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Edouard Manet
Im Gegensatz zu Claude Monet hatte es Édouard Manet (1832 - 1883) nicht so einfach als Künstler. Während Monet relativ schnell von der Kunstszene akzeptiert und bewundert wurde, wurde Manet mehrfach zurückgewiesen.
Manets Werke sind nicht Impressionistisch, zumindest hat er sich nie dazugezählt, er ist aber ein Vorläufer dieser Stilrichtung.
Als Sohn eines Richters musste er zunächst den Vater überzeugen diesen Beruf anzugehen. Aufgrund seiner schlechten Noten konnte er kein Richter werden, deswegen wurde zunächst die Seefahrt als alternativer Beruf geplant, aber auch hier schaffte er die Aufnahme nicht. Er zeichnete aber schon immer gerne Karikaturen und so beschloss er die Laufbahn des Malers einzuschlagen. Der Kompromiss Lehrer von Vater und Sohn war Thomas Couture, mit dessen Arbeitsweise Manet sich aber bald nicht mehr identifizierte. Er ging dann seine eigenen Wege.
Um sich in der Kunstszene einen Namen zu machen, musste man im Pariser Salon ausgestellt werden und für gut bewertet werden. Das versuchte Manet mehrmals.
Im Salon von 1858 stellte er das Gemälde Der Absinthtrinker aus. Ein Misserfolg.
Im Salon von 1861 stellte er das Werk Guitarrero (oder Der spanische Sänger) vor. Hier wurde er ausnahmsweise mit einer ehrenvolle Erwähnung anerkannt.
Im Salon von 1863 wollte er das heute berühmte Gemälde Das Frühstück im Grünen zeigen, wurde mit den Worten „hässliche nackten Frauenzimmern“ aber abgewiesen. Es wurde dann im "Salon der Zurückgewiesenen" ausgestellt. Und auch 1865 wurde das Bild Olympia im Salon zu einem großen Skandal.
Manet hatte es nicht einfach, auch wenn er einen großem Einfluss auf junge Künstler hatte.
Seit 1870 litt er zudem an Syphilis - vielleicht musste ihm deswegen am 20. April 1883 das linke Bein amputiert werden. Und sehr wahrscheinlich verstarb er 10 Tage später, am 30. April 1883, an den Folgen der Amputierung in Paris.
Erst nach seinem Tod veränderte sich die Meinung über Manets Kunst und heute ist er einer der bedeutesten modernen Maler.
Manets Werke sind nicht Impressionistisch, zumindest hat er sich nie dazugezählt, er ist aber ein Vorläufer dieser Stilrichtung.
Als Sohn eines Richters musste er zunächst den Vater überzeugen diesen Beruf anzugehen. Aufgrund seiner schlechten Noten konnte er kein Richter werden, deswegen wurde zunächst die Seefahrt als alternativer Beruf geplant, aber auch hier schaffte er die Aufnahme nicht. Er zeichnete aber schon immer gerne Karikaturen und so beschloss er die Laufbahn des Malers einzuschlagen. Der Kompromiss Lehrer von Vater und Sohn war Thomas Couture, mit dessen Arbeitsweise Manet sich aber bald nicht mehr identifizierte. Er ging dann seine eigenen Wege.
Um sich in der Kunstszene einen Namen zu machen, musste man im Pariser Salon ausgestellt werden und für gut bewertet werden. Das versuchte Manet mehrmals.
Im Salon von 1858 stellte er das Gemälde Der Absinthtrinker aus. Ein Misserfolg.
Im Salon von 1861 stellte er das Werk Guitarrero (oder Der spanische Sänger) vor. Hier wurde er ausnahmsweise mit einer ehrenvolle Erwähnung anerkannt.
Im Salon von 1863 wollte er das heute berühmte Gemälde Das Frühstück im Grünen zeigen, wurde mit den Worten „hässliche nackten Frauenzimmern“ aber abgewiesen. Es wurde dann im "Salon der Zurückgewiesenen" ausgestellt. Und auch 1865 wurde das Bild Olympia im Salon zu einem großen Skandal.
Manet hatte es nicht einfach, auch wenn er einen großem Einfluss auf junge Künstler hatte.
Seit 1870 litt er zudem an Syphilis - vielleicht musste ihm deswegen am 20. April 1883 das linke Bein amputiert werden. Und sehr wahrscheinlich verstarb er 10 Tage später, am 30. April 1883, an den Folgen der Amputierung in Paris.
Erst nach seinem Tod veränderte sich die Meinung über Manets Kunst und heute ist er einer der bedeutesten modernen Maler.
Das Frühstück im Grünen
Das vom Salon 1863 abgelehnte Frühstück im Grünen ist heute vielleicht das bekannteste Werk Manets und es hängt sogar in einem Museum - man glaubt es kaum ;)
Im Salon wurden nur "anständige" Bilder gezeigt und die nackte Dame auf dem Bild, die sich nicht vor den beiden Männern genierte, gehörte eindeutig nicht dazu. Es war dann Kaiser Napoleon III. der alle überraschte - er eröffnetet den Salon der Zurückgewiesenen - und Manet wurde nun dort gezeigt. Aber auch hier wurde es von der Öffentlichkeit abgelehnt...
Im Salon wurden nur "anständige" Bilder gezeigt und die nackte Dame auf dem Bild, die sich nicht vor den beiden Männern genierte, gehörte eindeutig nicht dazu. Es war dann Kaiser Napoleon III. der alle überraschte - er eröffnetet den Salon der Zurückgewiesenen - und Manet wurde nun dort gezeigt. Aber auch hier wurde es von der Öffentlichkeit abgelehnt...
Edouard Manet, Das Frühstück im Grünen, 1863, Öl auf Leinwand, 207 x 265 cm, Musée d'Orsay, Paris
Wie kam es aber zu dem Bild?
Bei einem Ausflug an das Seineufer außerhalb von Paris betrachtete Manet wohl sehr genau die Damen, die aus dem Wasser kamen und daraufhin meinte er - nach Aussage eines Freundes: ‚Es scheint, dass ich einen Akt malen muss. Nun, ich werde ihnen einen Akt machen. Man wird mich verreißen. Soll man sagen, was man will!‘
Hätte Manet den ursprünglichen Namen des Bildes beibehalten, dann wäre die Ablehnung noch größer und eindeutiger gewesen: La Partie carée ("Der flotte vierer"). Denn man sieht zwei Frauen mit ihren Liebhabern. Aber das ist noch nicht alles - die Reste vom Frühstück präsentiert Manet als Stillleben und das war zu der Zeit ebenfalls verachtet, weil es aus der Mode gekommen war
Bei einem Ausflug an das Seineufer außerhalb von Paris betrachtete Manet wohl sehr genau die Damen, die aus dem Wasser kamen und daraufhin meinte er - nach Aussage eines Freundes: ‚Es scheint, dass ich einen Akt malen muss. Nun, ich werde ihnen einen Akt machen. Man wird mich verreißen. Soll man sagen, was man will!‘
Hätte Manet den ursprünglichen Namen des Bildes beibehalten, dann wäre die Ablehnung noch größer und eindeutiger gewesen: La Partie carée ("Der flotte vierer"). Denn man sieht zwei Frauen mit ihren Liebhabern. Aber das ist noch nicht alles - die Reste vom Frühstück präsentiert Manet als Stillleben und das war zu der Zeit ebenfalls verachtet, weil es aus der Mode gekommen war
Olympia
Im gleichen Jahr ist auch die Olympia entstanden und auch sie wurde vom Pariser Salon von 1865 nicht nur abgelehnt, es löste darüber hinaus einen Skandal der Kunstgeschichte aus!
Und warum? Weil es sich hier ebenfalls um einen Akt handelt oder gibt es einen anderen Grund?
Tatsächlich war die Kombination aus Motiv und Malweise das Problem.
Zu sehen sind eine nackte weiße Frau, ausgestreckt auf einem Bett, die ihre Scham zwar bedeckt aber auch provokativ den Betrachter anblickt.
Hinter dem Bett steht eine schwarze Frau, die einen großen Blumenstrauß in den Händen hält. vor ihrer Brust.
Das Zimmer ist durch die neue Malweise Manets - die das zweite Problem darstellt - fast ohne räumliche Tiefe. Ja das ganze Bild ist sehr flächig, ohne plastische Modellierung, so wie man es sonst auch gewohnt war. Diese neue Technik hat Manet sich bei den Japanern abgeschaut. So wirken die Figuren nur Zweidimensional. Gustave Courbet, ebenfalls Maler, sagte dazu: „Alles ist flach, ohne Relief … man möchte sagen, die Pik-Dame eines Kartenspiels, die gerade aus dem Bade kommt“.
Im Salon von 1865 kam es vor der Olympia zu Menschentrauben die das Bild verspotteten und mit Spazierstöcken bedrohten. So wurde es - zum Schutz - höher aufgehängt....
Und warum? Weil es sich hier ebenfalls um einen Akt handelt oder gibt es einen anderen Grund?
Tatsächlich war die Kombination aus Motiv und Malweise das Problem.
Zu sehen sind eine nackte weiße Frau, ausgestreckt auf einem Bett, die ihre Scham zwar bedeckt aber auch provokativ den Betrachter anblickt.
Hinter dem Bett steht eine schwarze Frau, die einen großen Blumenstrauß in den Händen hält. vor ihrer Brust.
Das Zimmer ist durch die neue Malweise Manets - die das zweite Problem darstellt - fast ohne räumliche Tiefe. Ja das ganze Bild ist sehr flächig, ohne plastische Modellierung, so wie man es sonst auch gewohnt war. Diese neue Technik hat Manet sich bei den Japanern abgeschaut. So wirken die Figuren nur Zweidimensional. Gustave Courbet, ebenfalls Maler, sagte dazu: „Alles ist flach, ohne Relief … man möchte sagen, die Pik-Dame eines Kartenspiels, die gerade aus dem Bade kommt“.
Im Salon von 1865 kam es vor der Olympia zu Menschentrauben die das Bild verspotteten und mit Spazierstöcken bedrohten. So wurde es - zum Schutz - höher aufgehängt....
Edouard Manet, Olympia, 1863, Öl auf Leinwand, 130,50 x 191 cm, Musée d'Orsay, Paris
Vincent van Gogh
Vincent van Gogh (1853 - 1890) war ein niederländischer Maler und ein Post-Impressionist, mit starken Einfluss auf den Expressionismus. Er war ein armer Maler, der zu Lebzeiten nur wenige Werke verkaufte - heute erreichen sie hingegen Rekordpreise. Sein letztes Werk, dass er malte "Porträt von Dr. Gachet (1. Version)" wurde für 82,5 Millionen Euro verkauft! Die zweite Version ist im Musee d'Orsay ausgestellt. (Und die 1. Version war einmal im Besitz des Städel Museums in Frankfurt, wo ich einmal gearbeitet habe - hier schließt sich der Kreis mal wieder...)
Van Gogh lernte in der Schule Französisch und Englisch - diese Grundlage brauchte er um später nach Frankreich auszuwandern. Zunächst arbeitete er Kunsthandlung Goupil & Cie, der sein Onkel als Teilhaber angehörte. Hier lernte er die gehobene Kunst kenne, reiste zwischen den Filialen umher und besuchte die jeweiligen Museen vor Ort. Zunächst arbeitete er von London aus, dann wurde er nach Paris (1875) versetzt. Van Gogh wurde seit London aber immer eigener und schottete sich ab. So kam es 1876 zur Kündigung, weil er sich den Kunden gegenüber nicht angemessen verhielt.
Er wechselte in den nächsten Jahren ständig die Berufe und fing an zu malen. Sein jüngerer Bruder Theo übernahmen dann später die Pariser Filiale der Kunsthandlung und kaufte ihm immer mal wieder Werke ab. Er war quasi sein Galerist. So kam Vincent in diese Abhängigkeit und litt immer wieder an Geldnot, obwohl die Zahlungen des Bruders gar nicht mal so gering waren - er konnte nur einfach nicht mit Geld umgehen...
Die ersten Werke Van Goghs waren auch nicht sehr außergewöhnlich - wer hätte gedacht, dass daraus dieser bedeutende Maler wird. Er brachte sich alles selbst peut-à-peut bei. Er besuchte verschiedene Atelier- und Kunstkurse, lernte bedeutende Künstler kennen und wurde selbst immer besser.
Einer seiner Freunde war Paul Gauguin, mit dem er sich 1888 aber zerstritt. Es kam zu DEM ungeklärter Vorfall, der zum Markenzeichen Van Goghs wurde. Es ist nicht klar ob Gauguin ihm im Streit oder doch van Gogh sich selbst, das linke Ohr abschnitt...
Van Gogh ist davor schon oft wegen seines depressiven/nicht normalem Verhaltens aufgefallen. Er hatte immer wieder Anfälle und wenn er diese hatte konnte er weder Malen noch Schreiben. Seit dem Ohr-Vorfall hatten seine Mitbürger in Arles nun aber Angst vor seinem Verhalten. Deswegen und weil er seinem Bruder nicht weiter zur Last fallen wollte, ließ Van Gogh sich in die Nervenheilanstalt Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy in der Provence einweisen.
Wenn Van Gogh aber malen konnte, dann war er ein Workaholic: es gab Phasen, da malte er in 70 Tagen 80 Bilder und 60 Zeichnungen!
Da man ihm in der Anstalt nicht helfen konnte und sein Bruder den Arzt Gachet kennenlernte, zog Van Gogh am Ende seines Lebens in den Norden Frankreichs, nach Auvers-sur-Oise, einem kleinen Dorf vor den Toren Paris. Doch auch dieser konnte ihm nicht helfen. Und als van Gogh Selbstmord began und sich in die Brust schoss, wollte er ihm auch irgendwie nicht helfen... Er entfernte die Kugel zumindest nicht und van Gogh starb wenige Tage später an den Folgen des Schusses.
Er wurde nach seinem Tod oft als verkannten Genie bezeichnet und heute gehört Van Gogh zu den bekanntesten und beliebtesten Malern der Kunstgeschichte.
Van Gogh lernte in der Schule Französisch und Englisch - diese Grundlage brauchte er um später nach Frankreich auszuwandern. Zunächst arbeitete er Kunsthandlung Goupil & Cie, der sein Onkel als Teilhaber angehörte. Hier lernte er die gehobene Kunst kenne, reiste zwischen den Filialen umher und besuchte die jeweiligen Museen vor Ort. Zunächst arbeitete er von London aus, dann wurde er nach Paris (1875) versetzt. Van Gogh wurde seit London aber immer eigener und schottete sich ab. So kam es 1876 zur Kündigung, weil er sich den Kunden gegenüber nicht angemessen verhielt.
Er wechselte in den nächsten Jahren ständig die Berufe und fing an zu malen. Sein jüngerer Bruder Theo übernahmen dann später die Pariser Filiale der Kunsthandlung und kaufte ihm immer mal wieder Werke ab. Er war quasi sein Galerist. So kam Vincent in diese Abhängigkeit und litt immer wieder an Geldnot, obwohl die Zahlungen des Bruders gar nicht mal so gering waren - er konnte nur einfach nicht mit Geld umgehen...
Die ersten Werke Van Goghs waren auch nicht sehr außergewöhnlich - wer hätte gedacht, dass daraus dieser bedeutende Maler wird. Er brachte sich alles selbst peut-à-peut bei. Er besuchte verschiedene Atelier- und Kunstkurse, lernte bedeutende Künstler kennen und wurde selbst immer besser.
Einer seiner Freunde war Paul Gauguin, mit dem er sich 1888 aber zerstritt. Es kam zu DEM ungeklärter Vorfall, der zum Markenzeichen Van Goghs wurde. Es ist nicht klar ob Gauguin ihm im Streit oder doch van Gogh sich selbst, das linke Ohr abschnitt...
Van Gogh ist davor schon oft wegen seines depressiven/nicht normalem Verhaltens aufgefallen. Er hatte immer wieder Anfälle und wenn er diese hatte konnte er weder Malen noch Schreiben. Seit dem Ohr-Vorfall hatten seine Mitbürger in Arles nun aber Angst vor seinem Verhalten. Deswegen und weil er seinem Bruder nicht weiter zur Last fallen wollte, ließ Van Gogh sich in die Nervenheilanstalt Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy in der Provence einweisen.
Wenn Van Gogh aber malen konnte, dann war er ein Workaholic: es gab Phasen, da malte er in 70 Tagen 80 Bilder und 60 Zeichnungen!
Da man ihm in der Anstalt nicht helfen konnte und sein Bruder den Arzt Gachet kennenlernte, zog Van Gogh am Ende seines Lebens in den Norden Frankreichs, nach Auvers-sur-Oise, einem kleinen Dorf vor den Toren Paris. Doch auch dieser konnte ihm nicht helfen. Und als van Gogh Selbstmord began und sich in die Brust schoss, wollte er ihm auch irgendwie nicht helfen... Er entfernte die Kugel zumindest nicht und van Gogh starb wenige Tage später an den Folgen des Schusses.
Er wurde nach seinem Tod oft als verkannten Genie bezeichnet und heute gehört Van Gogh zu den bekanntesten und beliebtesten Malern der Kunstgeschichte.
Selbstporträt
Vincent Van Gogh, Porträt des Künstlers, 1889, Öl auf Leinwand, 65 x 54,2 cm, Musée d'Orsay, Paris
Van Gogh hat sich sehr häufig selbst porträtiert - damit ist er nicht alleine: auch Rembrandt und Goya taten dies. Aber van Gogh hat sich in 10 Jahren Schaffenszeit 43 Mal porträtiert!
Warum hat er sich nur so häufig gemalt? Denn das ist nicht so einfach - denn man muss sich sich selbst stellen. Wie sieht man sich, wie möchte man sich präsentieren? Fragen, die man sich erst einmal selbst stellen muss.
Im Musée d'Orsay finden wir ein Porträt aus dem Jahre 1889. Hier sieht man ihn ein Jahr vor seinem Tod.
Man sieht ihn hier als mageren, streng blickenden Künstler in seiner Arbeitskleidung. Er blickt starr und bewegungslos den Betrachter an - dafür bewegt sich die Farbe umso mehr! Man sieht hier die so bekannte Wellenbewegung als Hintergrund. Diese blau-grüne Hintergrund lässt seine flammend roten Haare noch mehr hervorstechen!
Warum hat er sich nur so häufig gemalt? Denn das ist nicht so einfach - denn man muss sich sich selbst stellen. Wie sieht man sich, wie möchte man sich präsentieren? Fragen, die man sich erst einmal selbst stellen muss.
Im Musée d'Orsay finden wir ein Porträt aus dem Jahre 1889. Hier sieht man ihn ein Jahr vor seinem Tod.
Man sieht ihn hier als mageren, streng blickenden Künstler in seiner Arbeitskleidung. Er blickt starr und bewegungslos den Betrachter an - dafür bewegt sich die Farbe umso mehr! Man sieht hier die so bekannte Wellenbewegung als Hintergrund. Diese blau-grüne Hintergrund lässt seine flammend roten Haare noch mehr hervorstechen!
Das Zimmer von Van Gogh in ArlesDieses Gemälde gibt es drei Mal. Und sie sehen sich sehr sehr ähnlich. Eins befindet sich in Amsterdam (1888), in Chicago (1889) und hier (ebenfalls 1889).
Was war aber sein Motiv sein Zimmer in Arles zu malen? Und warum gleich drei Mal? Das Motiv erklärt er einem Bruder Theo genau - das wissen wir von den vielen, vielen Briefen, die sich die beiden schrieben. Er wollte die Ruhe und Schlichtheit seines Zimmers festhalten. Er schreibt: „die Wände sind blasslila, der Fußboden verblichen rot, die Stühle und das Bett chromgelb, Kopfkissen und Laken blass zitronengrün, die Zudecke ist blutrot, der Waschtisch orangefarben, die Waschschüssel blau, das Fenster grün”, und: „Ich wollte mit diesen Tönen eine absolute Ruhe ausdrücken”. Die erste Version wurde aufgrund einer Überschwemmung leicht beschädigt, deswegen fertigte er 1889 gleich zwei Sicherheitskopien an. |
Vincent Van Gogh, Das Zimmer von Van Gogh in Arles, 1889, Öl auf Leinwand, 57,3 x 73,5 cm,
Musée d'Orsay, Paris
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Georges Seurat
Georges-Pierre Seurat (1859 - 1891) stammte aus der wohlhabenden Mittelschicht und musste sich - im Vergleich zu Van Gogh - als Maler keine Sorgen machen.
Er studierte Kunst an der École des Beaux-Arts, die er aber nach dem Besuch einer Impressionisten-Ausstellung 1879 wieder verließ - er wendete sich ebenfalls den akademischen Malern ab und wollte etwas eigenes schaffen. Er beschäftigte sich sehr mit physikalischen Erklärungen zum Phänomen des Sehens, Farbzusammensetzungen, Geometrie, den Simultankontrast und dem Farbkreis. Hinzu kam das Studium anderen optischen Problemen.
Davon ausgehend experimentierte Seurat sehr viel: zunächst versuchte er seine Farbtheorie durch Mischung der Farben umzusetzen und dann versuchte er es mit getrennten, eng zusammenliegenden Punkten. Der Pointilissmus war geboren. Er und sein Freund Paul Signac gründeten diese neue Stilrichtung und Signac war schließlich der dominantere Namensgeber.
Seurat stellte nur einmal im Pariser Salon ein Werk aus. Bei seinem zweiten Versuch wurde ein berühmtes Werk Eine Badestelle bei Asnières abgelehnt. Er lernte dafür aber die belgische Künstlergruppe "Les Vingt“ kennen und stellte seine Werke dort aus.
Seurat wurde nicht sehr alt - er verstarb 1891 an Diphtherie. Leider verstarb auch sein gerade mal 1-jähriger Sohn zwei Tage später an der gleichen Krankheit.
Er studierte Kunst an der École des Beaux-Arts, die er aber nach dem Besuch einer Impressionisten-Ausstellung 1879 wieder verließ - er wendete sich ebenfalls den akademischen Malern ab und wollte etwas eigenes schaffen. Er beschäftigte sich sehr mit physikalischen Erklärungen zum Phänomen des Sehens, Farbzusammensetzungen, Geometrie, den Simultankontrast und dem Farbkreis. Hinzu kam das Studium anderen optischen Problemen.
Davon ausgehend experimentierte Seurat sehr viel: zunächst versuchte er seine Farbtheorie durch Mischung der Farben umzusetzen und dann versuchte er es mit getrennten, eng zusammenliegenden Punkten. Der Pointilissmus war geboren. Er und sein Freund Paul Signac gründeten diese neue Stilrichtung und Signac war schließlich der dominantere Namensgeber.
Seurat stellte nur einmal im Pariser Salon ein Werk aus. Bei seinem zweiten Versuch wurde ein berühmtes Werk Eine Badestelle bei Asnières abgelehnt. Er lernte dafür aber die belgische Künstlergruppe "Les Vingt“ kennen und stellte seine Werke dort aus.
Seurat wurde nicht sehr alt - er verstarb 1891 an Diphtherie. Leider verstarb auch sein gerade mal 1-jähriger Sohn zwei Tage später an der gleichen Krankheit.
Pointillismus
Der Pointillismus erscheint dem Impressionismus ähnlich, ist aber komplett anders konzipiert.
Während der Impressionismus "stimmungsvolle" Momentaufnahmen zeigt und die Farbe genauso "spontan" aufgetragen wird, ist der Pointillismus ein durch und durch durchdachtes Bild.
Streng geometrisch komponiert, die Beziehungen zwischen Licht, Gegenständen und anderen Einzelelementen ist dabei wohl durchdacht.
Und auch die Malweise ist völlig anders. Hier werden nun kleine Punkte mit reinen Farben nebeneinander gesetzt. Es gibt keine Mischung von Farbe auf der Palette - die Mischung entsteht erst im Auge des Betrachters. Je weiter weg man steht, desto mehr vermischen sich die Farben. Optische Verschmelzung nennt man das.
Die Meinungen über diesen neuen Stil waren natürlich gemischt. Viele Maler waren fasziniert davon, die Kunst wieder "wissenschaftlicher" zu machen, aber andere - wie zum Beispiel Degas - lehnten die Stilrichtung direkt ab.
Während der Impressionismus "stimmungsvolle" Momentaufnahmen zeigt und die Farbe genauso "spontan" aufgetragen wird, ist der Pointillismus ein durch und durch durchdachtes Bild.
Streng geometrisch komponiert, die Beziehungen zwischen Licht, Gegenständen und anderen Einzelelementen ist dabei wohl durchdacht.
Und auch die Malweise ist völlig anders. Hier werden nun kleine Punkte mit reinen Farben nebeneinander gesetzt. Es gibt keine Mischung von Farbe auf der Palette - die Mischung entsteht erst im Auge des Betrachters. Je weiter weg man steht, desto mehr vermischen sich die Farben. Optische Verschmelzung nennt man das.
Die Meinungen über diesen neuen Stil waren natürlich gemischt. Viele Maler waren fasziniert davon, die Kunst wieder "wissenschaftlicher" zu machen, aber andere - wie zum Beispiel Degas - lehnten die Stilrichtung direkt ab.
Links: Georges Seurat,
Rückenansicht, 1887, Öl auf Holz, 24,3 x 15,3 cm,
Musée d'Orsay, Paris
Mitte: Georges Seurat, Frontlansicht, 1887, Öl auf Holz, 25,0 x 15,8 cm,
Musée d'Orsay, Paris
Recht: Georges Seurat, Profilansicht, 1887, Öl auf Holz, 24,7 x 15,5 cm, Musée d'Orsay, Paris
Der ZirkusDer Zirkus ist ein unvollendetes Werk Seurats, denn er stirbt noch in diesem Jahr. Dennoch ist es ein einmaliges Beispiel für die Malweise des Pointilismus.
Es harmoniert, es ist ein wohl durchdachtes Werk und dennoch scheint das Motiv spontan. Man findet hier zwei getrennte Räume: die Manege und die Zuschauer. Die Manege hat geschwungene Linie, ist dynamischer und wirk nicht geplant. Dagegen sind die Zuschaerreihen starr und streng angelegt. Das Bild besteht aus 4 Farben: Weiß als Farbe des reinen Lichts und die drei Grundfarben Rot, Gelb und Blau. Hiermit gelingt Seurat eine Symbiose zwischen künstlerischer Kreation und wissenschaftlicher Studie. |
Georges Seurat, Der Zirkus, 1891, Öl auf Leinwand, 186,0 x 152,0 cm, Musée d'Orsay, Paris
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Jules Bastien-Lepage
Der Maler Jules Bastien Lepage kommt aus dem gleichen kleinen Dorf in Frankreich wie meine Familie. Damvillers heißt der 650 Seelen Ort und seit ein paar Jahren ist Lepage auch überall gegenwärtig. Es gibt nun Aufsteller mit seinen Werken und Erklärungen - immer dort, wo Lepage ein Motiv für seine Gemälde gewählt hat.
Als ich dann das erste Mal im Musée d'Orsay war und mir eines seiner Werke plötzlich entgegen strahlte, war ich richtig überrascht. Ist Lepage wirklich so ein großer Künstler gewesen, dass er sogar im Musée d'Orsay ausgestellt wird?
Als ich dann das erste Mal im Musée d'Orsay war und mir eines seiner Werke plötzlich entgegen strahlte, war ich richtig überrascht. Ist Lepage wirklich so ein großer Künstler gewesen, dass er sogar im Musée d'Orsay ausgestellt wird?
Hier ein paar Eckdaten zu Lepage
Geboren am 1. November 1848 in Damvillers, gestorben am 10. Dezember 1884 in Paris.
Obwohl er in Paris an der École des Beaux-Arts studiert hat, ist seine Karriere nicht ganz so bedeutend wie die seiner Zeitgenossen.
Er hat 1870 im Deutsch-Französischen Krieg gekämpft, hat Algerien bereist. Seine Werke befassen sich aber trotzdem hauptsächlich mit seiner Heimat. So dokumentiert er das dörfliche Leben. Er war selbst Sohn eines Großbauers und hat somit die Feldarbeit oder andere Momente der Pause auf dem Feld festgehalten.
Im Alter von 36 Jahren verstarb er aber schon an Krebs und er wurde 1884 in Damvillers begraben - ihm zu Ehren baute sein Bruder ein Mausoleum. Hier findet man auch die Kopie eine Skulptur Auguste Rodins - der Lepage als Maler darstellte. Das Original befindet sich im Musée Rodin - hier gibt es auch noch ein Relief das Lepage darstellt
Obwohl er in Paris an der École des Beaux-Arts studiert hat, ist seine Karriere nicht ganz so bedeutend wie die seiner Zeitgenossen.
Er hat 1870 im Deutsch-Französischen Krieg gekämpft, hat Algerien bereist. Seine Werke befassen sich aber trotzdem hauptsächlich mit seiner Heimat. So dokumentiert er das dörfliche Leben. Er war selbst Sohn eines Großbauers und hat somit die Feldarbeit oder andere Momente der Pause auf dem Feld festgehalten.
Im Alter von 36 Jahren verstarb er aber schon an Krebs und er wurde 1884 in Damvillers begraben - ihm zu Ehren baute sein Bruder ein Mausoleum. Hier findet man auch die Kopie eine Skulptur Auguste Rodins - der Lepage als Maler darstellte. Das Original befindet sich im Musée Rodin - hier gibt es auch noch ein Relief das Lepage darstellt
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Hier sieht man das Mausoleum und die Skulptur Rodins. Leider wurden alle Bäume in den letzen Jahren entfernt, weil diese nicht mehr sicher waren... Jetzt sieht der Ort nicht mehr ganz so verträumt aus.
Auch hier ist eine Tafel mit Werken Lepages zu finden: Passend zum Thema sein Bruder und seine Eltern. Alle drei Werke befinden sich im Musée d'Orsay, auch wenn sie nicht immer ausgestellt sind...
Auch hier ist eine Tafel mit Werken Lepages zu finden: Passend zum Thema sein Bruder und seine Eltern. Alle drei Werke befinden sich im Musée d'Orsay, auch wenn sie nicht immer ausgestellt sind...
Seine Werke
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Das Werk des Pere Jacques, der Holz im Wald sammelt ist bei einem kleinen Waldstück platziert (siehe oberes Bild). Hat der alte acques hier sein Holz gesammelt? Heute ist das Werk im Milwaukee Art Museum zu sehen.
Die Heuernte ("Les foins") hingegen ist wieder im Musée d'Orsay zu finden und hängt auch fast immer (nur bei meinem letzten besuch mit Kamera eben nicht). Das war das Werk dem ich nämlich damals plötzlich gegenüber stand!
Der Aufstelle ist an einem Ort mit einer schönen Aussicht über die Heufelder Damvillers angebracht. Die Hügel im Hintergrund entsprechen denen des Gemälde. Hier sieht man eine Frau und einen Mann die gerade eine Pause machen. Er liegt im Gras und macht ein Nickerchen während sie einfach nur erschöpft dasitzt. Im Hintergrund sieht man den Grund für die Erschöpfung: das aufgestapelte Heu.
Die Heuernte ("Les foins") hingegen ist wieder im Musée d'Orsay zu finden und hängt auch fast immer (nur bei meinem letzten besuch mit Kamera eben nicht). Das war das Werk dem ich nämlich damals plötzlich gegenüber stand!
Der Aufstelle ist an einem Ort mit einer schönen Aussicht über die Heufelder Damvillers angebracht. Die Hügel im Hintergrund entsprechen denen des Gemälde. Hier sieht man eine Frau und einen Mann die gerade eine Pause machen. Er liegt im Gras und macht ein Nickerchen während sie einfach nur erschöpft dasitzt. Im Hintergrund sieht man den Grund für die Erschöpfung: das aufgestapelte Heu.
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Und hier haben wir den Großvater Lepages. Der Ort an dem das Bild platziert ist, liegt mir besonders am Herzen.
Denn der Eingang den man hier im Hintergrund sieht führt zu einem besonderen Park.
Hier hat Lepage sein Open Air Atelier gehabt, hier hat er viele seiner Werke vollendet. Nach seinem Tod hat sein Bruder hier einen Park angelegt, mit Kieselsteinwegen und Brücken und gab dem Park seinen heutigen Namen: les Rainettes ("Die Frösche").
Mein Großvater hat hier für die Erben des Parkes - die Médards - als Gärtner gearbeitet und ich hatte das Vergnügen ihn in meiner Kindheit hierher zu begleiten: ich habe gespielt und versucht zu helfen. Wahrscheinlicher ist aber wohl, dass ich ihn eher bei der Arbeit zu gestört habe, wenn er mich und meine Schwester mal wieder aus dem Bach retten musste .... ;)
Denn der Eingang den man hier im Hintergrund sieht führt zu einem besonderen Park.
Hier hat Lepage sein Open Air Atelier gehabt, hier hat er viele seiner Werke vollendet. Nach seinem Tod hat sein Bruder hier einen Park angelegt, mit Kieselsteinwegen und Brücken und gab dem Park seinen heutigen Namen: les Rainettes ("Die Frösche").
Mein Großvater hat hier für die Erben des Parkes - die Médards - als Gärtner gearbeitet und ich hatte das Vergnügen ihn in meiner Kindheit hierher zu begleiten: ich habe gespielt und versucht zu helfen. Wahrscheinlicher ist aber wohl, dass ich ihn eher bei der Arbeit zu gestört habe, wenn er mich und meine Schwester mal wieder aus dem Bach retten musste .... ;)
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Offizielle Seite des Musée d'Orsay: www.musee-orsay.fr
Text- und Bildrechte: © Céline Mülich, 2018 -2019
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© 2016-2019 Paris-Museum.de
Autor: Celine Mülich |